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(资料图片仅供参考)

1、哪位艺术大师能告诉我叶永青的《伤痕》是什么意思？价值在哪里？2、如何看待网络上那些看起来很有道理的话？3、叶永青的《鸟》这幅画为什么值 25 万？是普通人看不懂艺术吗

哪位艺术大师能告诉我叶永青的《伤痕》是什么意思？价值在哪里？

这就是炒作，皇帝的新衣罢了。艺术家是疯子，评论家是骗子，收藏家是傻子，这是一个变态的社会。

这在艺术史上不鲜见，可以参见这个案例：英国伦敦的泰特美术馆近日以22300英镑的高价在索斯比买下意大利最有争议的艺术的一件作品：一个装有曼佐尼大便的密封罐头，名为“004号罐头”。曼佐尼i在1961年做出创举，将自己的大便分别装进90个罐头，每份30克。29岁便英年早逝的曼佐尼i对此的解释是，谁真正想获得艺术家的作品，就应该得到真正属于艺术家个人的东西。他想揭示购买艺术品的公众是多么容易受欺骗。目前，法国蓬皮杜艺术中心、纽约现代博物馆均收藏了曼佐尼的罐头。

曼佐尼的生前好友揭露，“点粪成金”的故事，原来是一个大玩笑，曼佐尼装在罐头中那些“粪便”，其实只是灰泥！曼佐尼当年只是想揭露收藏家盲从附和的心态。

曼佐尼在1961年声称，将自己的粪便放在罐内封好，扬言收藏艺术品的至高境界，就是拥有艺术家的粪便，诱得收藏家抢购炒卖。曼佐尼30岁时因酗酒吸毒死亡，他的90罐“粪便”不但被炒卖，还登上大雅之堂。美国纽约现代艺术博物馆、法国庞比度博物馆、英国伦敦泰特美术馆都有一罐。第18号“艺术家的粪便”上月在米兰拍卖会以26万新币成交。

曼佐尼的好友博纳卢米说：“里面没有粪，那只是灰泥，想证实的人，可开罐看看。”虽然只是灰泥，但泰特美术馆表示，令观赏者有悬念，也算是艺术品。

叶永青的蜡笔画相当于大便。

如何看待网络上那些看起来很有道理的话？

如果把「网络上那些看起来很有道理的话」的外延稍微扩大一下——不管谁说的什么内容，它们都是一种「文本」，对于文本我们就可以简单地套用文学批评理论了。按照文学批评理论，一般文本涉及的是三方的关系：作者、文本和读者。于是西方的诠释学理论也就分为「作者中心论」、「文本中心论」和「读者中心论」三派。概念不难理解，通俗点解释，就是一部文学作品的释义是以作者的本义为准、文本本身的含义为准，还是读者感受到的东西为准。

如果你受过高考语文阅读的训（keng）练（hai），那么对这类问题一定不陌生：「上面这段话中，作者想表达怎样一种含义？」...这就是一种简单粗暴的「作者中心论」，问题看似在探究作者的愿意，但「标准答案」的释义往往连作者自己也不认同。

当然，「作者中心论」在今天看来早已过时。后来兴起的「文本中心论」或者「读者中心论」，都反对把作者的本意作为唯一的金科玉律。被语文阅读题常弄到欲哭无泪的你，自然会认同这个道理。

然而「名人名言」却是这样一种东西：它们的天生使命就是「告诉我们说这句话的人是怎么想的」。再扩大一个范畴，非文学类的作品，比如商业类常识、科普文章、学术书籍，读者最重要的几乎就是弄清楚作者怎么想——不管是读《量子物理学导论》还是《卓有成效的管理者》，总不能是「嗯我才不管作者要说啥呢反正我有自己的理解」...

回到「名人名言」，或者那些「看起来很有道理的话」，就像做高考语文阅读题一样，我们虽然很努力在揣摩作者的本义是什么，但是大部分时间，我们的理解是错的，或者至少是有偏差的。

究其原因，大概是由于人与人生活背景、知识结构、人生经历等等的差异，对相同事物的感知必然是不同的。我自己造了个词叫：「语境差异」。

任何一句话都几乎不能脱离其语境存在——这里的语境不仅是指这句话本身的上下文，还有读者的为了理解这句话所需要具备的信息。缺失了任何一点，这句话所需要传达的意思都会受到扭曲。但是，我们往往忽略了这一点。

「语境差异」这个现象可以造成多大的理解障碍？最明显的例子其实来自于艺术界。你是不是经常有「这幅画居然也能拍卖几百万美金？这我也能画啊...」的感慨，归根结底，是语境差异在作怪。

我第一次看到法国艺术家杜尚（Marcel Duchamp）的作品《泉》的时候，全然无法想象这件作品居然打败了梵高、毕加索和马蒂斯等大艺术家，在英国艺术世界展览会被权威人士们评为了「20世纪最具影响力的艺术品」——毕竟那就是个工业生产出来的男性小便池上面签个自己的名字啊。但如果稍微研究一下艺术史就能知道，杜尚在艺术界被各种画派割据，大家仍纠结于「到底哪个画派才能代表真正的艺术」的时候，用《泉》这件作品抛出了一些极为先锋的命题：艺术创作应该有风格的优劣、对错之分么？是不是有一种艺术形式就高于其他的艺术形式呢？艺术到底是形式还是观念？——就因为它是一件买来的现成品，就不是艺术了吗？

「四五十年后，安迪•沃霍尔（Andy Warhol）在这个命题上又向前走了一步。在展示他日后成为经典意象的可口可乐、浓汤罐头和梦露版画的同时，他还找来了几个布里洛肥皂的包装盒放在了画廊里。这几个盒子外表看起来和超市经常看到的包装盒子没有任何区别——如果说杜尚的小便池还调转角度并签名了的话，沃霍尔的盒子则在外观上没有任何差异。而「没有差异」正是他煞费苦心追求的效果。后来人们说，这个举动真正颠覆了艺术的旧时代——一个物品是否是艺术品，不再依靠外观来进行分辨。当一个普通的肥皂盒被艺术家摆在了画廊里，它就具有了一种新的语境，以及一种全新的看待它的角度。它变成了一个浓缩的符号象征。」

绕这么一大圈，就是为了说明「语境差异」的威力——它能让我们把价值连城的艺术品理解为一文不值的东西。只有认识到自己的认知局限性，才能以开放的心态看待比尔•盖茨花上百万买叶永青的《伤痕》，或者 Andreas Gursky的一张比别墅都贵的PS过的照片（Rhine II）。

最近读巴菲特巴老的传记，他说，查理•芒格告诉他一生最重要的投资理念不过是 "Buy wonderful businesses at fair prices, instead of buying fair businesses at wonderful prices. "（「用合理的价格投资很棒的生意，而不是用很棒的价格投资合理的生意。」）。看到这句话的时候我想，我们可能要穷尽一生才能理解什么是 wonderful，什么是 fair，甚至什么是 buy, 什么是 price。

自己从开始想创业以来，最常念叨的是那句 Hire the best people you can。回想起来，我根本没明白什么是 hire, 什么是 best people, 什么是 you can…（看来我只弄懂了 the… ）。现在真正做了几个月时间，我仍然不敢说弄懂了这句话，但起码接近了一点点。

所以，如果读这些「看起来很有道理的话」有什么真正好处的话，那就是驱使自己努力去建构与这些聪明和伟大的人「共享语境」的机会。创造一些东西，做一些事，很多看过的道理就又焕发了新的生命。就像我会每几个月都会读读 The Hard Thing About Hard Things 或者每两三年都看看 Sex And The City 一样。人生总有个「看山是山，看山不是山，看山还是山」的过程。

怕什么真理无穷，进一寸有进一寸的欢喜。

叶永青的《鸟》这幅画为什么值 25 万？是普通人看不懂艺术吗

首先拍卖不能单纯等同于艺术品的「实际价值」或「市场价值」。艺术本身是很主观的东西。说白了这就好比情人眼里出西施，你不稀罕，但买的人认为它值那个价愿意掏这么多钱。更何况拍卖还可能涉及市场运作考量。

再有就是，美术作品的价值往往不能单凭画面本身来判断。特别是观赏者并不具备一定艺术素养的情况下，觉得一幅作品不够好，更多时候是因为自身素养不够，「看不懂」好在哪里罢了。譬如有的作品可能涉及美术史意义等。

再有也很重要的一点是：画作这种东西，原作和图片的差别是很大很大的，给人的感受可能天差地远。我个人在观赏到赵无极的原作之前，对其作品也是持保留态度的，但在画廊里看到原作的第一眼，就被其作品魅力彻底折服。

更专业的解说见下：

@苏芸：

叶永青除了以整天梦游的状态上过一个貌似正统的学校之外，创作道路跟「正统」「科班」这些字没有任何联系，也没有「主攻」过西方绘画，（当时满世界都在搞「伤痕」，说他们主攻西方绘画未免也太看得起那代人了）。

另外，叶永青在带本科生时候，对古典范式的写实基本功要求非常严苛几近变态，结课作业打分也严得变态（至少跟同是光头的曹敬平何多苓甚至张晓刚相比是这样），这足以说明他对艺术的态度是足够严肃不忽悠的。如果非要说他跟那些同样「荒谬」的当代艺术家有什么不同的话，叶的哲学素养要高些。

其实不瞒你说，我看它的第一眼也觉得这货是只红薯，似乎还当着王林（叶的老师）的面就「它更像红薯还是萝卜」这一问题跟师兄争论了很久。不过，后来看了原作，我们都选择了闭嘴。

首先不得不承认，把一张巴掌大的的草图誊到一面墙般大小的布上是项技术活，还是用眉笔。记得他当时是打了网格的（坐标纸这种东西出现在艺术家的工作室里一点都不意外）图案中每一个纹理笔触都被细致的描绘了出来。曾经有人劝他把这种誊抄的工作交给学生做，自己专注灵感的表达就好了，就好像国外版画家会把印画的体力活交给助手，并不影响作品的价值一样。但叶真的是一描就是一年。

当然，其实这也不能证明作品本身的艺术价值。当代艺术的一大特点就是「没有意义」和「拒绝解释」。杜尚的小便池、安迪沃霍的印刷品，当初都因为难以解读而备受质疑，无论它们后面多牛逼。想起大学里最颠覆我观念的一句话是：「能用语言表达出来的东西，为什么还要画呢？」其实想想也简单，摄影出现了这么多年，绘画之所以还没有消亡，就是因为它可以创造出能感知到却看不到摸不着甚至用语言表达不出的东西，不需要解释出什么所谓的意义，就是激发人的情感，喜悦、愤怒或者恶心，出钱买画的人有可能是买家和作品产生什么了某种共鸣。

他经历过的那个年代，对于复杂和浮夸有自己的体会，因而有种反叛的意味在里面（因时代所限，本人对这些东西很难理解透彻，见谅）。不过比起解读这些「似是而非的作品，这个人倒是挺有意思。比如他讲述，「当年跟同寝室同为loser的张晓刚互相勉励，每天画一幅风景，最后一个日本留学僧买走了各自的一幅画，张晓刚说这样真好他终于不至于身无分文地结婚了」的时候，真想哭（当时的售价是每人200元，再想想现在两人的身价，不禁感慨基友时代的美好）。还有听他讲当年在伦敦，为了生计不得不跟有洁癖又是素食主义者的女房东同居，面临巨大的文化差异的折磨的时候，又让人觉得即使是作为荒诞的生活拷贝，这些作品也绝非偶然(「我用特别认真的方法对待那种本来不值得那么认真对待的对象的时候，就有了荒诞感」——by叶永青)。

之所以要说这些，是因为艺术家的积累某种程度上也决定了他的作品价值，毕加索如果一开始就就抽象，未必会有人愿意买账。

首先，必须说明，作品一旦离开艺术家本人，进入商业运作的流程里，所有的一切就都不是他能掌控的了，拍卖起价也不是艺术家哄抬的，而是些是画廊的事，而偏偏当代艺术本来就因「概念性」、「实验性」，或者极端依赖于个人体验（上文说了），根本无法进行价值判断，反映到市场上就是：你无法说出它值多少钱，全看买家出多少钱。因此没必要肤浅的只见那数字后面有多少个零。

再者，二三十万一、点、都、不、贵、啊！！一点都没有因为买家是盖茨或者志玲姐姐就欺客啊~！！比起方力钧背后有一个文化公司支撑，动辄就几百个集装箱的阵势，叶永青连出版画册甚至办展的钱都是自己出的好么。「在80后90后的人眼里，艺术是能挣钱的东西。他们学会跟经纪人打交道，每个人心里装着个小账本，计算着发财的时间表。」这话是叶永青眼中的悲哀。

以上就是小编对叶永青伤痕的相关信息分享，希望能对大家有所帮助。